Julien Lachaud se décrit comme « ébéniste créateur » ; c’est, pour lui, le terme qui qualifie le mieux son travail.
Diplômé d’un Brevet de Technicien de Maîtrise, il va acquérir « une base solide » à travers son apprentissage et son parcours dans différentes entreprises d’ébénisterie haut de gamme.

Son travail va par la suite se transformer en quelque chose de plus artistique. Imaginatif, rêveur et ouvert  aux autres disciplines, il aime associer le savoir-faire d’autres artisans ou artistes dans ses projets. « J’aime ce mélange qui crée une harmonie et donne de la vie à une pièce. »

Dans ses créations, il donne du dynamisme, des formes inattendues, et travaille avec des éléments inexplorés
dans l’ébénisterie. Les formes géométriques telles le triangle, le carré, le rectangle et le cercle l’attirent beaucoup. On retrouve ces formes exploitées de différentes façons dans ses créations.

Amateur de Street Art, Julien Lachaud, souhaite intégrer ce travail dans ses créations. Dans cette recherche
d’une personne complémentaire à son travail, il rencontre le talentueux artiste graffeur, BIMS, originaire
de Perpignan, à l’univers coloré et cubique. Tous deux font naître la pièce intitulée Mondes Opposés.

Sculpteur Autodidacte, Philippe Roy se découvre jeune, une passion pour retranscrire ses émotions en volume, en matière, avec principalement un travail de taille dans le tuffeau et le béton cellulaire.

De nombreux voyages en milieu désertique lui permettent de puiser l’inspiration dans l’univers des traces qu’il y rencontre et le fascine. Ses connaissances en moulage lui permettent de s’inspirer de ces textures, de ces messages pour les retranscrire sur ses supports.

Plus tard, Philippe Roy dompte le béton. Un nouvel univers s’ouvre à lui, avec l’énergie de présenter un travail plus construit et il s’oriente très rapidement sur des pièces monumentales. Les sphères rentrent dans la danse…. accompagnées du travail de l’inox. Il ancre son travail dans l’énergie du sol et recherche l’élévation, tentant de rassembler tous les éléments, jouant l’interface entre le sol et le ciel…. telle l’empreinte de la vie en osmose avec les éléments que sont l’air, l’eau, le feu et la terre !

Ancienne élève des Beaux-Arts de Quimper puis de l’École d’Art du Calaisis, Dominique Le Merdy suit un parcours professionnel varié qui la mène très loin du milieu artistique. Pour autant, l’esprit de création ne la quitte jamais.

Durant ses années aux Beaux-Arts, Dominique Le Merdy travaille déjà la dentelle qu’elle matérialise dans des sculptures, portraits et photographies.

Ses créations de bracelets Marine (à base de boutons de marin) ses produits dérivés aux motifs de dentelle (vaisselle, boîtes à biscuits, mobilier, etc.) et panneaux décoratifs sur différents supports (bois, tissus, etc.) lui valent d’être plébiscitée par le groupement Calais Dentelle et la C.C.I.

Elle découvre dans le Pas-de-Calais la dentelle mécanique traditionnelle Leavers. C’est tout naturellement que lui vient l’idée de travailler les chutes de dentelle, inexploitées jusqu’alors. Au-delà d’une démarche de développement durable, elle met en valeur les nombreux métiers qui ont permis la réalisation de cette noble matière.

Marthe Rougieux | Jean-Pierre Coasne | Marina Le Dorner | Anne Leroux
Membres de l’association Terre de Création

Marthe Rougieux, enlumineur et calligraphe latin, Jean-Pierre Coasne, graveur et lino-graveur, Marina Le Dorner, relieur médiéval et classique, Anne Leroux, laqueur et céramiste, quatre artisans d’art aux parcours multiples, tous professionnels et passionnés, ont en commun l’exigence de la pratique et de la transmission de leur métier. Faisant partie de l’association Terres de Créations qui regroupe des créateurs, des artisans d’art et des restaurateurs d’objets d’arts du Pays d’Ancenis, ils participent ensemble au développement culturel de leur territoire et valorisent les savoir-faire manuels en animant des événements.

Tous les quatre mettent en commun leurs compétences et leur personnalité et donnent vie à cette idée. « Nous créons des moments de rencontres, d’échanges pour lancer des idées et ainsi se découvrir et aller plus loin dans nos recherches techniques. »

« uuLzaLt » est le lieu de rencontre de deux univers, celui de Claire Albrecht et celui de Sarah Goldberg. Claire est céramiste, elle utilise des outils plutôt traditionnels appliqués sur un matériau pour ainsi dire « préhistorique ». Sarah dirige un studio de création en art numérique, elle se sert de machines quasi futuristes.

« uuLzaLt » est le témoignage d’une génération qui voit deux temporalités se rejoindre. Il invite à porter un regard différent sur le rapport qui existe entre tradition et innovation, et a pour vocation de « s’inscrire dans son temps et d’y laisser l’empreinte de notre génération d’artisans et de « startupeurs ». »

Le projet Meeting Pot est, pour ainsi dire, la première collaboration entre la céramique et l’impression 3D. Une réflexion autour de la rencontre, de l’appropriation d’un objet ou comment laisser sa trace sur un support existant.

Suite à l’obtention de son C.A.P. Vitrail option Peinture sur verre en 2011, Chloé Quiban crée son propre atelier. En 2014, lors d’une résidence d’artiste, son travail prend une nouvelle ampleur ; elle y réalise la pièce intitulée L’Aube, une ode à la nature et à la liberté.

Depuis, elle poursuit les expérimentations et les collaborations, et participe à des expositions et des salons, ce qui lui vaut le prix Ateliers d’Art de France sur le Salon Métiers d’Art de Nantes en 2015.

Dans le respect d’une technique ancestrale, Chloé Quiban nous invite à rechercher avec elle le mouvement dans la lumière, à expérimenter, à approfondir, à plonger dans la matière, à y élaborer des points de fuites… « pour que le regard cherche et se perde en chemin, que l’esprit vagabonde, en voyage entre rêve et réalité ».

Le verre nous entraîne à jouer avec la lumière, à se faire surprendre par son intemporalité, par son perpétuel mouvement, par sa capacité à révéler et magnifier les couleurs.

Jeune créatrice inspirée par la nature, Aloïse Potiron est passionnée depuis plusieurs années par la sculpture. La quête de perfectionnement dans le domaine des métiers d’art lui tient à cœur. Ses créations sont diverses. Elle personnalise des cadres, des lampes et tout autre objet de décoration.

Dans ses œuvres comme Coup de pouce, elle pose symboliquement, en toute simplicité, la question du soutien aux fondations qui portent des valeurs écologiques, humanistes et universelles.

L’empreinte se dévoile ici par la représentation d’une main et par le message positif qu’elle dégage.

Pour cette exposition, sa démarche a séduit, c’est une main tendue à la jeune création.

Originaire de Loire-Atlantique, Roselyne Montassier-Cormier suit une formation à la Maison du Potier du Fuilet, de 2007 à 2009.

C’est dans ce lieu qu’elle s’initie aux diverses techniques de façonnage et de cuisson de l’argile.

Elle crée ensuite son atelier à Rocheservière au sud de Nantes.

« Le contraste est le maître-mot de mes terres enfumées d’inspiration astrales et organiques. »

Les formes épurées et contemporaines mettent en valeur l’alliance de la terre brute à la douceur de la porcelaine polie.

Toutes ses pièces sont en grès blanc. Il est à la fois résistant aux chocs thermiques et neutre par sa couleur, permettant d’obtenir une finition de qualité.

Après la création de la forme souhaitée sur une argile humide, elle dépose au pinceau un engobe de porcelaine blanc ou coloré avec des oxydes métalliques naturels. Après les délicates étapes de polissage et de cuisson, l’œuvre métamorphosée se révèle à nos regards.

Après des études aux Arts Appliqués à Paris, Caroline Worner installe un atelier dans la vallée de la Chalouette où elle crée et réalise des objets en porcelaine.

Diplômée en céramique artisanale et adhérente aux Ateliers d’Art de France, Caroline Worner continue à suivre des formations techniques destinées à enrichir son vocabulaire artistique dont les thèmes s’inspirent « de la nature, se nourrissent de la cuisine, magnifient la main et s’amusent de jeux. »

Depuis les premières pièces utilitaires jusqu’aux réalisations actuelles, l’évolution de ce travail poétique a toujours cherché à révéler le potentiel créatif de la terre, notamment par des procédés alternatifs de façonnage ou de décor, ainsi qu’en association avec d’autres matières.

Dans la pièce É(rose)ions, elle utilise la terre des champs qu’elle transforme pour créer une installation en extérieur où le temps, à son tour, la façonne pour y laisser son empreinte.

Philippe Miénnée est un typographe passionné. Il découvre ce savoir-faire pour la première fois lorsqu’il est enfant, grâce au père d’un ami qui possède un atelier typographique.

Philippe Miénnée part alors à l’Institut des Arts Saint-Luc de Tournai en Belgique où il se forme en arts graphiques, typographie et impression. En 2013, après ses débuts dans un atelier d’art à Douai, il décide de s’installer en Bretagne.

Son atelier est un univers sensoriel riche, un espace lumineux où flottent des odeurs d’encre, les bruits des machines de succion ou de soufflerie du papier créant une mélodie en fond sonore. Cet art d’assembler des caractères mobiles « est très apprécié des artistes car il laisse l’empreinte de la lettre en plomb dans le papier souple, donnant une âme à l’œuvre, une force de caractère si l’on peut dire… ».