Laurent Cadilhac | Sculpteur plasticien

Après des études à l’École Nationale Supérieure des Arts Appliqués et des Métiers d’Arts (Paris) dans l’atelier sculptures et objets métal (diplômé en 1996), Laurent Cadilhac commence sa vie professionnelle dans le monde du cinéma et du théâtre.

L’envie de mener un travail plus artistique déclenche une migration vers le grand ouest avec l’installation en 1999 d’un atelier collectif Rouillegorge sur le port de pêche de Douarnenez (29) qui lui permet des réalisations personnelles et collectives. En 2004, le collectif achète et investit une ferme encore un peu plus à l’ouest dans le Cap Sizun où pendant 10 ans l’artiste poursuit son travail du volume et du métal.

En 2015, c’est en famille qu’il construit son nouvel atelier et lieu de vie sur les bords de Loire à Saint-Etienne de Montluc (44).

Là entre ciel et marais, Laurent Cadilhac travaille la matière et dessine ses objets : sculptures, objets de spectacles, objets du quotidien, architectures, installations…

Ces différents champs d’expérimentation se croisent et nourrissent ses recherches personnelles, résonnent dans des projets collaboratifs ou des « commandes » atypiques.

Ces objets sont avant tout un travail de dessin et de volume qui prend corps par le modelage du métal sous la flamme du chalumeau et les coups de marteaux. Parfois en mouvement, souvent en équilibre, mélangées avec du bois, de la terre, monumentales ou de tailles modestes, ses sculptures (re)cherchent la fragilité, les vibrations du vivant. Le monde aquatique, le ciel, les marais, l’estran, le végétal, l’homme/ animal, l’animal/sauvage sont autant les matières premières que les sources inspirantes pour ses pérégrinations artistiques.

Sylvie Errard Douillard | Plasticienne

Voilà des années que Sylvie Errard Douilllard arpente ce chemin singulier et qu’elle explore, questionne, réveille, entre l’ombre et la lumière, ce qu’il y a au fond d’elle. L’artiste crée en tirant un fil d’Ariane. Dans sa valise, sa formation de sociologue, sa sensibilité créative, artistique, ouverte, présence au monde. Sur le chemin, il y a cette étape essentielle de quatre années passées à Lugano, en Suisse. Autour d’elle, montagnes et solitude. Dans le silence des grands ciels et des sommets, elle a affiné le lien avec la part de lumière et de paix en elle.

Elle existe en chacun de nous, elle est l’Etre que l’on est lorsque l’on a ôté ce qui nous est superflu. Sylvie Errard Douillard y puise sa source créative, elle en fait surgir un monde poétique et sensible, elle sculpte, elle dessine, elle brode, elle guette la poésie, elle témoigne. Lorsqu’elle crée, elle transmet ce qu’elle ressent de l’invisible en nous, autour de nous, et elle s’adresse au cœur et à l’âme. Elle invite à revenir à l’instant présent, à la poésie du vivant.

Cloé Rousset | Brodeuse

À la lisière de la sculpture, Cloé Rousset tricote, ligature, crochète, brode, raccommode de grandes pièces, et elle emmaillote à l’infime et façonne de précieux bijoux textiles. Ces matières ont un caractère précieux car elles sont le fruit d’heures passées sur un ouvrage antérieur, survivantes, elles portent la patine de nombreuses histoires. Entre continuité et étrangeté, cette façon de faire célèbre l’instabilité et la fragilité de l’existence.

À petite échelle, l’artiste brode sur des images qu’elle collecte, des photographies, des récits de vies, elle aime mettre en valeur des histoires intimes et des vies invisibles. Les fils de broderie à l’aiguille viennent prolonger les images, gommer parfois les présences masculines, couronner les portraits de femmes, parler de possession amoureuse, faire apparaître des liens de sororité, raconter les désirs étouffés… À l’échelle du corps et de l’espace publique, Cloé Rousset fabrique des spectacles de cirque où le textile occupe une place sur mesure, au sein du Collectif Aurita.

Depuis le printemps 2023, la Compagnie jouent le spectacle “Étoffer la Nuit”, duo mêlant trapèze, chant lyrique et broderie monumentale.

Marjeane | Tisseuse

Marjeane vit et travaille dans le Nord du Béarn. Elle milite pour une poétique des fils. Elle tisse et liane. Elle explore les territoires du sensible, du très familier et de l’inconnu, de l’in tranquille et du joyeux, du mutique et de l’ouvert. Cette exploration passe par le travail de la forme. Elle ne cherche pas la belle forme mais ces sentiers de fils qu’elle dessine entre lianes et tissages, forment un domaine emmêlé, où les lianes bouleversent l’idée du délicat, invitent au sauvage, à la course libre, à la célébration intense du vivant.

Lucie Renaud-Gamache | Plasticienne

La formation de mécanicienne de Lucie Renaud-Gamache s’est glissée dans son travail artistique. Elle compose des tableaux qui s’animent…Des boites à musique… De petites scènes qui chuchotent, murmurent, ronronnent, couinent, cliquettent, grincent, claquent…

Ces œuvres commencent souvent par un objet trouvé chez un antiquaire… une brocante…un vide-greniers…
La matière lui parle.

En parallèle de sa création de boîtes à rêver, elle compose des tableaux où la texture des matériaux la guide : jouets de plastique, petits soldats, perles, caillou, bois flotté…

Les histoires sont moqueuses… poétiques… ironiques… toujours joyeuses !

Stéphanie Gontard | Plasticienne

Née en 1968 à Auray, Stéphanie Gontard, de 1984 à 1987, débute sa vie artistique en Italie où elle apprend les techniques de peintures anciennes et modernes. À son retour en France, très attirée par la récupération et le recyclage, elle réalise des intérieurs personnalisés, bars, restaurants, hôtels, particuliers. Ce qui l’amène aux décors de théâtre et une comédie musicale, tout en continuant de créer et d’exposer. Différentes matières l’intéressent comme le métal, la peinture huile ou acrylique. Aujourd’hui, elle se consacre à son dernier thème qui est la pollution marine, depuis 2011 une œuvre est exposée au jardin Brétignot à Quiberon « retour à l’envoyeur ».

Promenade sur la falaise de Port-Goulom à Quiberon, après une nuit de tempête. La mer est jonchée de détritus plastiques qui ondulent à la surface, au gré des vagues, avec leurs couleurs avivées par l’éclaircie. La transposition est immédiate.

Depuis plus de 20 ans, l’artiste recueille ces débris informes, rejetés par la mer, témoins de l’infini gaspillage d’une humanité qui laisse à la nature le soin d’absorber ses déchets. Stéphanie les récupère pour les réassembler, en les détournant de leur fonctionnalité première. Des déchets à l’œuvre d’art, transformer l’horreur en poésie. Un geste pour faire réagir l’homme et le monde de la surconsommation.

Jean-Yves Rolland | Sculpteur

Autodidacte, Jean-Yves Rolland se lance dans l’art du volume suite à la découverte de Brancusi, Arp, Moore et bien d’autres sculpteurs dans le domaine de l’abstraction. Sa technique de prédilection est la taille directe.

Ce goût de la matière, il l’affine depuis une quarantaine d’années. Ses matériaux favoris sont la pierre, le béton cellulaire et le bois. Il capte les émotions et les sentiments de la vie dans son environnement proche, ainsi que dans les moments forts, rares et précieux.
Taille, râpage, ponçage et lavages successifs créent un jeu de vides et de pleins dans ses œuvres. C’est pour Jean-Yves Rolland un effort d’abstraction que l’art impose à la matière.

Le blanc, couleur de prédilection comme support à la lumière, capte les modulations et les intensités fluctuantes pour créer une multitude d’ombres, les formes s’animent… L’artiste recherche l’équilibre ou « les équilibres » d’un même bloc dans l’espace. Jean-Yves Rolland a eu l’opportunité d’exposer à Rennes dans la galerie du CMB boulevard de La Tour d’Auvergne, au lavoir à la Paillette et dans la péniche la Dame Blanche Place de Bretagne ainsi que dans différents lieux de la région. Actuellement, il explore dans sa dernière série «Les souffles du vent» l’érosion du temps, des allers retours entre la nature et l’homme.

Philippe Nerrière | Sculpteur

Philippe Nerrière, né à Clisson entre la Vendée, la Bretagne et la Loire-Atlantique, est un voyageur inspiré, toujours en quête de nouveautés. Une idée germait dans la tête de l’artiste et elle l’a conduit vers la découverte de ce chêne noir endormi depuis 5 000 ans dans la tourbe de Brière : le « Morta ».

C’est l’accord parfait entre la liberté d’une nature puissante, une histoire toujours en train de s’écrire sous nos yeux, et une vision symbolique de nos racines. Philippe Nerrière garde deux ans ses trophées avant qu’ils ne soient secs ; il les ausculte comme un vigneron retourne ses bouteilles. Les troncs sont débités en lames d’exception, poncés, sablés, pour construire tableaux, totems composés de nuances de noirs et marrons, doux et rugueux à la fois.

Et le voici aujourd’hui, artiste créateur, chercheur insatiable à mettre en valeur ce « Morta », cet or noir de Brière, dans la réalisation et la transmission si précieuse de ses oeuvres. Elles s’expriment ici pour chacun et chacune d’entre nous pour le plaisir de nos yeux, pour vivre une émotion dans un esprit bouillonnant de liberté : celui d’un artiste nouveau-né.

Michelle Quélard | GRAVEUR

C’est avec l’encre et l’aquarelle que Michelle Quélard s’est d’abord exprimée.

Les effets de transparence inhérents à ces techniques l’amènent progressivement à s’intéresser à l’eau forte et surtout à l’aquatinte qui offrent tous les possibles en matière de textures et dégradés. La gravure en taille douce lui permet, en effet, d’obtenir des rendus nuancés…

…Ses gravures, entre figuration et abstraction, se nourrissent de sensations, d’impressions, de ressentis… Dans ce monde de suggestions et d’évocations telles des rêveries poétiques, le temps est suspendu, retenu bien qu’animé, dépouillé sans pauvreté… Elle joue délicatement avec la richesse de la gamme des gris… La vive clarté est rarement utilisée au profit d’une vibration entre ombre et lumière dans un jeu de nuances et dégradés. Les vides et les pleins s’opposent, se complètent. Ils assurent la respiration nécessaire à une déambulation dans ces horizons, paysages ou rivages, bords de mer ou autres univers….

…Les gravures de Michelle Quélard dévoilent parcimonieusement, pour laisser libre cours à l’imaginaire, aux voyages, aux rêves.

Rose Lecompte, historienne d’art – juillet 2022

Alexandre Doucet | Sculpteur

La vie professionnelle d’Alexandre Doucet est faite d’expériences diverses toujours en lien avec la matière et son environnement.
Il débute par l’apprentissage de la chaudronnerie, puis de la mécanique automobile. Passé la trentaine, après plusieurs années dans les monuments historiques comme poseur de pierre, l’artiste passe un autre CAP en ébénisterie. En 2009, il créé son entreprise spécialisée dans la facture d’instruments de musique d’Afrique de l’Ouest. Pendant près de 6 ans, cela est le coeur de son activité.

Alexandre crée des sculptures depuis 2015. Son retour au métal a sonné comme un rappel à ce qui lui était fondamental. Son apprentissage adolescent avait été une réelle révélation. Il pratique aujourd’hui plusieurs savoir-faire, voyageant du bois au métal jusqu’au bronze. Sa démarche se nourrit de sa propre réflexion sur la vie humaine, ses épreuves et sa puissance résiliente. Ses sculptures jouent des équilibres et des vides pour laisser jaillir la lumière. Elle symbolise une échappée, un élan et une projection vers l’avenir.
C’est au soir tombé que l’espoir apparaît. Du coeur, la flamme prend de l’ampleur. Elle transcende et sublime l’espoir. Ses projections deviennent poésie. Les motifs gravés déclinent ces rugueux instants qui rendent plus singuliers, plus forts, plus vrais.

L’association de la lumière au métal constitue un choix fondamental. Ce dernier, rigide et froid, travaillé au plasma et à main levée, épouse ces fragilités avec souplesse. La lumière, évanescente et source de chaleur, affirme quant à elle une puissance salvatrice.